Carlo Broschi detto Farinelli

Una Voce irripetibile

Esiste un considerevole repertorio musicale scritto per “soprani maschi”, che venne prodotto tra il XVI ed il XVIII secolo, quando era usuale l’impiego dei castrati. Come è noto era tristemente diffusa la pratica di castrare le voci bianche per “preservarne” l’evoluzione vocale e mantenerne intatte le doti “bianche”  tipiche della voce angelica della fanciullezza. In tal senso emblematica è la storia di Carlo Broschi, detto Farinelli, la cui storia venne raccontata e portata sui grandi schermi qualche anno fa.

Quale percorso umano abbia portato a questo fenomeno non è definitivamente chiaro: spesso la storia è fatta di eventi casuali che inconsapevolmente determinano tendenze o comportamenti difficilmente giudicabili in senso assoluto e dove l’Uomo diventa artefice di opere magnifiche quanto di abomini.

I fatti però restano e la conoscenza dell’Uomo non può prescindere dagli stessi. Se vogliamo approfondire periodi storici come il Barocco, ad esempio, e ne vogliamo immaginare i colori, gli odori, ed i suoni, non possiamo prescindere dallo sfondo artistico e musicale in cui i castrati erano attori protagonisti.

Compositori come Haendel o Vivaldi hanno composto per queste voci ed hanno creato dei capolavori assoluti in grado di emozionare allora come oggi.

Ci piace pensare che la tragedia della virilità rubata abbia comunque consacrato questi uomini all’altare della Musica; siano essi diventati famosi o abbiano condotto una vita comune siamo speranzosi che le loro vite siano state vissute con altissima dignità umana ed artistica.

Ecco un documento audio in cui è possibile ascoltare l’ultimo castrato realmente esistito: Alessandro Moreschi morto a Roma nel 1922.

Crocifissione - Camoggiano

Lo Stabat Mater è uno degli emblemi della poesia religiosa medioevale. La sua intensità quasi epica, la drammatica contemplazione del dolore lo hanno reso fin dal XIV secolo una delle più amate espressioni della devozione religiosa popolare. Il testo della Sequenza è per lo più attribuito al francescano Jacopone da Todi (1230? – 1206) anche se non mancano altre illustri attribuzioni: da San Gregorio Magno (m. 604) a Innocenzo III (M. 1216), da Bernardo di Clairvaux (m. 1153) a San Bonaventura (m. 1274).

La diffusione dello Stabat Mater è da collegare con l’affermazione del culto della Madonna Addolorata, iniziato nell’XI secolo e culminato con la nascita, nel 1233, della fondazione fiorentina della “Compagnia di Maria Addolorata” detta anche dei Servi di Maria o dei Serviti. Com’è noto il Concilio di Trento, che accolse solo quattro delle numerosissime sequenze composte nei secoli precedenti, bandì lo Stabat Mater dalla liturgia cattolica.

Nei secoli successivi si ebbero tuttavia diverse manifestazioni organizzate della devozione mariana legata al momento della croce. Tra esse fu assai significativa la “Confraternita dei Sette Dolori” approvata dalla Curia Roma nel 1645; nel 1668 la S. Congregazione dei Riti permise all’Ordine dei Serviti di celebrare la messa votiva dei Sette Dolori
della Beata Vergine. La mai sopita venerazione popolare per l’inno indusse quindi Benedetto XIII a reintrodurre, nel 1727, il bellissimo testo nel messale.

Inizialmente il culto dell’Addolorata, cui lo Stabat Mater è sempre stato intimamente legato, era inserito nelle celebrazioni della Settimana Santa, in particolare nel rito della Via Crucis. Successivamente la celebrazione è stata spostata al Venerdì prima della Settimana Santa, ed infine nella prima quindicina di settembre, data che ancora oggi è il principale riferimento celebrativo, anche se il culto dell’Addolorata continua, in diverse località, ad essere diffuso nella Settimana Santa.

Idealmente il testo, ispirato alla profezia di Simeone, Luca 2, 33-35, è diviso in due parti. La prima, Stabat Mater dolorosa, è una meditazione oggettiva sulle sofferenze di Maria, madre di Gesù, durante la Crocifissione e la Passione di Cristo. La seconda, che inizia con le parole “Eia, mater, fonsamoris”, ha invece la forma di un’invocazione in cui l’autore si rivolge a Maria perché lo renda partecipe al suo dolore di madre ed alle sofferenze patite da Gesù durante la crocifissione e la Passione nella speranza di condividere la gloria del Paradiso.

Il testo dello Stabat Mater è sempre stato una composizione popolarissima soprattutto perché nei secoli è sempre accompagnato il rito della Via Crucis e la processione del Venerdì Santo. Un canto amatissimo dai fedeli, non meno che da intere generazioni di musicisti colti come Haydn, Scarlatti, Vivaldi, Pergolesi, Rossini. (Aronne Mariani)

Stabat Mater del Coro PregarCantando

Grinta e determinazione le qualità più evidenti e apprezzabili del Direttore d’Orchestra Damiana Natali. La sua formazione musicale è di tutto rispetto: diplomata in pianoforte presso il Conservatorio di Torino e in composizione principale a Bergamo, ha studiato direzione d’orchestra con Donato Renzetti e direzione di coro al Conservatorio di Milano. Ha frequentato numerosi corsi di perfezionamento tra cui quello pianistico con Maurizio Pollini, i corsi di composizione di musica per l’immagine di Carlo Savina, i corsi di composizione con Gerald Grisey del Conservatorio di Parigi. Ma ciò che importa è vederla dirigere ed ascoltare gli alti risultati da lei raggiunti ed espressi dall’Orchestra da
Camera del Mediterraneo che si è fatta plasmare dal rigore e dal brio mozartiano infusole dal bel Direttore d’Orchestra. Una esecuzione di alto livello quella ascoltata sabato 10 luglio nella Chiesa di San Martino a Erice. Con la Serenata di W. A. Mozart “Eine Kleine Nachtmusik” KV 525 si è magistralmente aperto il concerto. Il Direttore Damiana Natali è stata quindi premiata dalle autorità con la “Venere d’argento”. Si è proseguito poi con Le quattro Stagioni di A. Vivaldi la cui fedele esecuzione ha previsto la tiorba, il clavicembalo e il fortepiano, nonchè i sonetti di autore ignoto probabilmente aggiunti in un periodo successivo alla composizione, teatralmente interpretati dal M° Vito Gaiezza. D’eccezione la violinista, Grazia Raimondi di Bologna, che anche di fronte a qualche piccola sbavatura e un non sempre perfetto accordo ritmico con l’orchestra, ha comunque regalato un Vivaldi sostenuto, tecnico, e molto dinamico, raggiungendo vette davvero notevoli soprattutto nelle rese dei forti e dei pianissimi, rari da trovare come li ha saputi regalare Grazia Raimondi. Nel complesso un concerto di alta qualità come non se ne trovano facilmente.

martedì 6 luglio, ore 21.15

RAMIN BAHRAMI

ORCHESTRA CAMERATA DEL TITANO

AUGUSTO CIAVATTA direttore

J. S. Bach Concerti per pf. e orchestra BWV 1052 – BWV 1055

A. Vivaldi   Concerti per archi F.XI/RV155 – F.I 139/RV.552

Un altro appuntamento da non perdere a I Concerti  nel Parco in questa prima settimana di luglio: martedì 6 luglio in “Two Evergreen”,un concerto dove si celebrano insieme due “sempreverdi”, icone in ogni tempo della musica colta, J.S. Bach e Antonio Vivaldi,  di cui lo stesso Bach fu ammiratore e trascrittore. E’ protagonista dell’esecuzione di due concerti bachiani il talentuoso pianista iraniano Ramin Bahrami, accompagnato dall’Orchestra Camerata del Titano, diretta dal M° Augusto Ciavatta.

J. S. Bach  fu grande estimatore della musica di Vivaldi fu: sono le numerose trascrizioni che Bach fece della musica di Vivaldi, concerti per più cembali, musica per organo, composizioni nello stile “italiano” ispirate ai modelli vivaldiani. sopratutto dei Concerti con solisti nello “stile italiano”, in particolar modo i concerti de “L’Estro Armonico. Trascrizioni che non sono parodie, ma veri e propri atti d’amore verso quella musica, in cui, nell’adattamento dall’originale, Bach cerca di mantenere intatto lo spirito vigoroso e solare dello stile vivaldiano.

Ed è infatti una prassi consolidata nella produzione di J. S. Bach quella di trascrivere o riadattare, per cembalo o organo composizioni, sue o di altri compositori, nate per altro strumento. E’ il caso del Concerto in La maggiore BWV 1055, nato per ode d’amore, che nella versione per cembalo trova maggiore brillantezza. La successiva prassi di eseguire questo concerto al pianoforte conferisce alla composizione maggiore espressività, sopratutto nel secondo tempo (larghetto), nel quale le fioriture trovano nel suono del pianoforte maggiori possibilità timbriche e coloristiche.

Anche il Concerto in re minore BWV 1052, il più noto e ed importante dei concerti per cembalo scritti da Bach ha un origine non strettamente cembalistica. Infatti si pensa che la versione originale da cui Bach trae questo concerto sia un concerto per violino o altro strumento ad arco andato perduto.

I due concerti di Vivaldi scelti per essere accostati ai concerti di Bach, appartengono alla categoria delle composizioni meno celebrate di Vivaldi, ma che bene rappresentano la sostanza della sua musica, non scontata e volta alla ricerca di “artifici” musicali spesso di grande teatralità. Così il Concerto in La maggiore per violino solo, 3 violini “per eco” e archi (F. I 139 / Rv 552), descrittivo e riverberante dell’effetto naturalistico dell’eco. A differenza dei più noti concerti solistici di Vivaldi, in questo caso il violino solo ha lo scopo di sollecitare e promuovere la risposta dell’altro gruppo di violini “per eco”. Il Concerto in Sol minore per archi (F. XI 6 / Rv 155), è caratterizzato da due significative particolarità che lo contraddistinguono da tutti i concerti e  sinfonie per archi senza soli: un ampio ed espressivo adagio introduttivo e, appunto, la presenza di parti solistiche nell’adagio e nell’allegro finale.

Interpreti del concerto, il pianista iraniano Ramin Bahrami, oggi riconosciuto, come uno dei maggiori interpreti bachiani viventi, e l’Orchestra Camerata del Titano, Orchestra stabile del Teatro del Titano, e quindi principale organico orchestrale della Repubblica di San Marino.

Il tour che parte da Roma, proseguirà quest’estate con altre date italiane ad Arezzo, Rimini,Imperia, Messina e si concluderà nel prossimo autunno con un concerto nella Repubblica di San Marino