Giorno 19 agosto 2010 ore 20.30

presso l’Auditorium di Bolzano

ORCHESTRA HAYDN

ALEXANDER KOBRIN* pianoforte

ALEXANDER ROMANOVSKY** pianoforte

ARTHUR FAGEN direttore

Il concerto verrà trasmesso in diretta nazionale su RADIO RAI 3 e registrato da RAI SENDER BOZEN, che lo trasmetterà l’8 settembre alle ore 19.40.

Al concerto che lo scorso 22 luglio, nel Parco delle Semirurali, l’Orchestra Haydn ha tenuto per inaugurare l’edizione 2010 del Bolzano Festival Bozen, segue il prossimo 19 agosto (ore 20.30, Auditorium) un secondo appuntamento che, oltre ad annunciarsi straordinario per più di una ragione, coincide con l’avvio del 58.Concorso e 5. Festival Pianistico Internazionale Ferruccio Busoni, di cui l’orchestra è partner storico.

Innanzitutto i solisti, due e d’eccezione: Alexander Kobrin e Alexander Romanovsky, entrambi vincitori del Concorso Busoni, rispettivamente nelle edizioni del 1999 e del 2001 e oggi protagonisti di una brillante carriera pianistica internazionale. Kobrin, moscovita, classe 1980, aveva all’epoca 19 anni (il Busoni lo scopriva molti anni prima che si aggiudicasse il primo premio al Van Cliburn). Romanovsky, ucraino, del 1984, 17, e al Busoni arrivava due anni dopo essere stato insignito honoris causa del titolo di Accademico della Regia Accademica Filarmonica di Bologna, onore riservato, nella storia della prestigiosa istituzione felsinea, solo ad altri due ‘coetanei’: Mozart e Rossini.

Anche il repertorio individuato per il concerto è singolare e rappresenta un invito all’ascolto fuori dagli schemi in linea con il filo rosso di ricerca e valorizzazione interpretativa affidata a giovani esecutori che caratterizza la programmazione, nell’insieme, del Bolzano Festival Bozen. L’adattamento di due capolavori assoluti concepiti inizialmente per il pianoforte, la Sonata in si minore di Liszt trascritta da Leo Weiner e la Wandererfantasie S366 di Schubert elaborata dallo stesso Liszt, costituiscono il nucleo del programma, completato dalla Grande fantaisie symphonique su temi di Lélio di Hector Berlioz. “Le ragioni del programma lisztiano sono semplici” spiega Peter Paul Kainrath, direttore artistico del BFB. “L’anno prossimo, nel bicentenario della nascita di Liszt, invece della prima prova con orchestra con un concerto di Mozart, i finalisti del Concorso Busoni si confronteranno con un pezzo per pianoforte e orchestra dello stesso Liszt, a scelta libera dal catalogo dell’opera omnia per pianoforte e orchestra dell’autore. Abbiamo quindi pensato, nell’anno del festival, di presentare come preludio al Concorso 2011, due opere molto interessanti e allo stesso tempo poco conosciute. Inoltre è per noi una buona occasione per presentare l’assoluta rarità della trascrizione della Sonata di Liszt, che è un capolavoro d’interpretazione della sonata stessa”. A rendere omogeneo il programma – Kobrin e Romanovsky saranno interpreti il primo della Grande fantaisie e il secondo della Wanderer – pur sottolienandone le caratteristiche peculiari di ogni brano salirà sul podio il direttore statunitense Arthur Fagen, nel corso della sua carriera assistente di Christoph von Dohnanyi all’Opera di Francoforte e di James Levine al Metropolitan di New York, sua città d’origine.

Già nella Sonata in si minore che apre il concerto, e nella forma adottata da Liszt quando la compose per pianoforte solo tra il 1852 e il 1853, era presente in nuce la trama di una scrittura sinfonica. All’epoca Liszt aveva lasciato la carriera artistica come interprete e, alla corte di Weimar dove si era ritirato per dedicarsi alla composizione, promuoveva le nuove avanguardie musicali. La rielaborazione delle cosiddette forme ampie della sonata e della sinfonia, la cui energia vitale si stava, nell’ottica del compositore ungherese, esaurendo, lo portarono a concentrarsi su di una costruzione ciclica che, pur restando in qualche modo fedele alla forma della sonata, consentiva però di modificarne i principi costruttivi. Liszt affronta infatti la composizione pianistica seguendo le modalità timbriche peculiari della scrittura sinfonica. Qui il pianoforte, nella mani del virtuoso, diviene la condensazione di un’intera orchestra e l’incipit raccoglie già tutto il materiale melodico – sono quattro i temi principali – che si svilupperà nel corso dell’intero brano. Del resto quando Liszt compone la Sonata in si minore ha già al suo attivo i primi Studi trascendentali e le prime raccolte di Années de Pélerinage, tutte musiche strutturate attraverso un programma musicale interno e anche quest’opera è una sorta di “pezzo unico”, nonostante la suddivisione in quattro movimenti. Alla Sonata è riconosciuto un tono intenso, drammatico, a tratti macabro, che ne riconduce la lettura a un’ispirazione letteraria – Liszt è anche il creatore del poema sinfonico – per gran parte degli studiosi con riferimenti ai personaggi faustiani di Goethe. Il tema che al di fuori da ogni dubbio emerge è il dualismo, lo sdoppiamento della personalità che ritorna anche in altre sue composizioni, dalla Faust Symphonie ai Mephisto Valzer.

Di vent’anni antecedente alla Sonata (viene scritta tra il 1832 e il 1834) nasce nella forma per pianoforte e orchestra la Grande fantaisie symphonique su temi di Lélio di Hector Berlioz. Ispirata al lavoro del suo contemporaneo francese, è il primo esperimento in cui Liszt si confronta con un format vero e proprio. Formalmente un unico movimento, in realtà il brano si articola in due parti: la prima introdotta da un Lento cui segue un Allegro, struttura che a sua volta introduce la seconda parte. L’obiettivo di Liszt è già quello di dare una forma unitaria all’opera e richiama nella seconda parte un tema già accennato nella prima, in un gioco di coerenti rimandi ritmici oltre che melodici.

La Wandererfantasie D760 è invece, in origine, di Franz Schubert, che la compone nel 1822, articolandola in quattro movimenti nella tradizione eseguiti senza interruzione. Capolavoro della letteratura pianistica e cavallo di battaglia di grandi solisti di tutti i tempi, da Sviatoslav Richter a Maurizio Pollini, da Alfred Brendel a Wilhelm Kempff, trae ispirazione dall’omonimo Lied di Schubert “Der Wanderer”. Liszt ne elabora una trascrizione orchestrale nel 1851, esperienza che gli tornerà utile nella stesura della Sonata in si minore. Nella struttura della Wanderer schubertiana compaiono infatti, ripetuti in un’infinita varietà di forme, i temi principali. E’ un modo espressivo che Liszt trova particolarmente congeniale e l’influenza strutturale che questo modello esercita sui suoi lavori del periodo di Weimar è evidente.

La formazione tedesca, tra le più longeve e celebrate in Europa, conferma per il quarto anno consecutivo il proprio festival nella cittadina veneta. Cinque concerti, dal 27 giugno al 4 luglio 2010 nell’affascinante cornice medievale della Chiesa di San Martino, con numerosi artisti ospiti per celebrare Robert Schumann, nel duecentesimo anniversario della nascita

Per una settimana sarà Este la capitale veneta della musica da camera. Con la quarta edizione degli “Incontri internazionali di musica da camera” il Quartetto Auryn conferma infatti la propria presenza nella cittadina padovana proponendo un nuovo cartellone cameristico, all’insegna della ricercatezza della proposta e dello straordinario livello esecutivo che fin dalla prima edizione hanno caratterizzato gli appuntamenti del Festival.

Dal 27 giugno al 4 luglio 2010 nell’affascinante cornice medievale della Chiesa di San Martino di Este i quattro musicisti dell’Auryn (Matthias Lingenfelder e Jens Oppermann, violini, Stewart Eaton, viola e Andreas Arndt, violoncello) insieme ad alcuni tra i solisti più interessanti del panorama internazionale saranno i protagonisti di cinque concerti che ruoteranno intorno alla figura e all’opera di Robert Schumann.

Tra i più longevi quartetti del mondo (è attivo nella stessa formazione da quasi 30 anni), il Quartetto Auryn si è esibito in tutti i principali centri della vita musicale internazionale e nei festival più rinomati. Sul versante discografico la collaborazione con l’etichetta TACET è stata premiata con il Diapason d’Or per l’integrale dei quartetti di Schubert, con il Preis der Deutschen Schallplattenkritik per le opere di Hugo Wolf e con il CD Classic Award per i quartetti di Beethoven; il primo volume dell’integrale dei Quartetti di Joseph Haydn, recentemente pubblicato, ha ricevuto nel 2009 il prestigioso ECHO Klassik.

Accanto alla straordinaria attività concertistica e discografica il Quartetto Auryn ha fondato nel 2007 gli “Incontri Internazionali di musica da camera” a Este. Lo spirito del Festival è ben illustrato dallo stesso Quartetto: “L’idea è quella di lavorare e suonare con altri musicisti astraendoci dalla nostra frenetica routine di concerti, invitando amici, parenti e conoscenti da tutto il mondo a partecipare e a godere di una settimana di grande musica. Aver tempo per provare insieme, ma anche semplicemente per stare insieme, godendo della piacevolissima atmosfera del Veneto e della sua gente, è diventato il tipico “benvenuto” del programma Auryn: una vera e propria oasi musicale nello scompiglio della quotidianità concertistica”.

Nel 2007 gli “Incontri internazionali di musica da camera” furono dedicati ad Antonin Dvořák; nel 2008 hanno festeggiato il 175° compleanno di Johannes Brahms, mentre nel 2009 hanno celebrato il 200° anniversario della morte di Joseph Haydn. L’edizione del 2010 sarà invece dedicata a Robert Schumann, nel 200° anniversario della nascita. “Quest’anno il canto farà il suo debutto al festival – commenta Matthias Lingenfelder, primo violino del Quartetto –, la famosa soprano Ruth Ziesak ha accettato il nostro invito a cantare i Lieder di Mahler e Schumann nonché il meraviglioso “Stabat Mater” di Boccherini. Ma altri straordinari musicisti si uniranno a noi per il festival di quest’anno: Volker Jacobsen, ex violista dell’eccezionale Artemis Quartet, Jens Peter Maintz dell’acclamato Trio Fontenay, nonché Szymon Marciniak, solista, musicista da camera e attuale contrabbasso della Hague Philharmonic, affiancheranno il nostro Quartetto per suonare opere di Schumann, Schubert, Bruckner e Richard Strauss che vanno dal quintetto al settimino. Il pianista Peter Orth, già applauditissimo interprete nelle edizioni passate del Festival, ci delizierà con opere del suo repertorio camerisitico e solistico e con la prima esecuzione mondiale di un brano del compositore americano Jeremy Gill”.
Il Festival è realizzato in collaborazione con il Comune di Este, con l’Associazione Polesine Musica e con l’AVAM-Associazione Veneta Amici della Musica.
Il programma completo è disponibile nel sito web del Quartetto Auryn alla pagina www.aurynquartet.com/este <http://www.aurynquartet.com/este> .

Biglietti: euro 5,00, ingresso gratuito per i bambini
Per informazioni:
Comune di Este – Ufficio Cultura tel. 0429 617573
IAT Informazioni e Accoglienza Turistica Este tel. 0429 600462
www.comune.este.pd.it cultura@comune.este.pd.it
www.aurynquartet.com/este <http://www.aurynquartet.com/este>


Incontri Internazionali di Musica da Camera Città di Este 2010. “Intorno a Schumann”
Este (PD), Chiesa di San Martino

Domenica 27 Giugno
Auryn Quartet
Peter Orth, pianoforte

Joseph Haydn, Quartetto per archi op. 76 n. 1
Hugo Wolf, Serenata Italiana
Robert Schumann, Quartetto per pianoforte e archi op. 47

Mercoledì 30 Giugno
Ruth Ziesak, soprano
Matthias Lingenfelder, violino
Peter Orth, pianoforte
Jens Peter Maintz, violoncello
Auryn Quartet

Jeremy Gill, “Book of Hours” per pianoforte solo (prima esecuzione mondiale)
Robert Schumann, Sonata per violino e pianoforte op. 121
Luigi Boccherini, “Stabat Mater” per soprano e quintetto d’archi (prima versione, 1781)

Giovedì 1 Luglio
Ruth Ziesak, soprano
Peter Orth, pianoforte
Jens Peter Maintz, violoncello
Auryn Quartet

Gustav Mahler, Selezione di Lieder dal ciclo “Knaben Wunderhorn”
Robert Schumann, 6 Gesänge op. 107
Franz Schubert, Quintetto per archi D 956 in do maggiore op. post.163

Sabato 3 Luglio
Jens Peter Maintz, violoncello
Volker Jacobsen, viola
Szymon Marciniak, contrabasso
Peter Orth, piano
Auryn Quartet

Benjamin Britten, Suite n. 1 per violoncello solo op. 72
Robert Schumann, Fantasia in do maggiore op.17 per pianoforte
Richard Strauss, “Metamorfosi”, versione per settimino d’archi

Domenica 4 Luglio
Auryn Quartet
Volker Jacobsen viola

J. Haydn, Quartetto per archi op.76 n. 2
Robert Schumann, Quartetto per archi  op. 41 n. 3
Anton Bruckner, Quintetto per archi  in fa maggiore (1879)

Nel periodo che va dal 1818 al 1827, nei salotti viennesi, luoghi abitualmente frequentati da Schubert, circolavano giovani di belle speranze che anelavano a conoscere e a praticare l’Arte Musicale. Schubert era spesso il centro d’attrazione di questi piccoli eventi mondani, e ne diede un’impronta tale diventarne il riferimento assoluto.

Ancora oggi si “celebrano” le schubertiadi proprio per ricordare e rievocare quell’atmosfera di cultura, libertà e musicalità che solitamente ruotava attorno ad un pianoforte. Finchè il musicista visse, gli Improvvisi ebbero questa collocazione.

Ciò non ci deve tuttavia far credere che si tratti di pezzi poco impegnativi o di esclusivo consumo. Composti negli ultimi mesi del 1827, gli Improvvisi D.899 si inseriscono in una preesistente tradizione austro-germanica di pezzi pianistici di libera ispirazione.

Lo stesso Weber compose un “Momento Capriccioso”, per non parlare di autori meno noti quali Worzischek e Tomaschek.

Furono tuttavia probabilmente Schubert o i suoi editori a usare per la prima volta il termine “Improvviso”.

Gli Improvvisi D.899 sono 4 e si distinguono nettamente, per la loro bellezza e originalità, dai brani affini a questo tipo di composizione.

Impromptu N.1 D.899

Il primo, introdotto da un fortissimo, sviluppa un’idea cantabile pianissimo, saltellante e ingenua, che oscilla continuamente tra il modo maggiore e il modo minore, alternando brevi zone forti con lunghi momenti sottovoce. Questa prima idea, così incisiva nella configurazione ritmica, subisce una rapida trasformazione quando la mano sinistra passa dal più energico ritmo puntato, con cui ha rafforzato la melodia affidata quasi sempre alla mano destra, a un fluente e ininterrotto ritmo di terzine, su cui l’idea originaria si distende quietamente. Seguendo uno schema molto affine a quello del tema e variazioni, lo spunto iniziale passa in un  primo tempo al grave, mentre la mano destra ripete ossessivamente gli stessi suoni, poi, con un collegamento interessante sia dal punto di vista melodico sia da quello armonico, ritorna alla mano destra, arricchito da arpeggi leggeri. Una modulazione ci apre un mondo trasfigurato e il ricordo dei più cupi momenti passati, richiamato dal ritorno del motivo iniziale, non turba questa zona di serenità che, pur nell’ambiguità tra il modo maggiore e il modo minore, conclude soavemente il pezzo, traendo proprio da queste continue elusione il proprio fascino.

Impromptu N.2 D.899

Il secondo improvviso si sviluppa alternando due zone diversissime sia nella forma che nel carattere. La prima idea è fluente e leggera, come una cascatella, in cui i suoni si snocciolano ininterrotti; una melodia purissima, accompagnata da poche note, affidate alla mano sinistra, che creano armonie semplici e rarefatte. La seconda parte appare repentinamente, aggressiva ed energica, con un andamento ‘all’ungherese’.Le due parti si alternano nuovamente, creando nella giustapposizione di due idee musicali tanto diverse un effetto stupefacente. Ciò che colpisce in un autore come Schubert è la capacità di inventare analogie, associazioni, abbinamenti senza mostrarci il cammino che da un pensiero porta all’altro, senza deduzioni nè passaggi di collegamento. La malia di questo improvviso nasce proprio dall’avvicinamento di due luoghi così distanti. Riascoltare la prima sezione, dopo il repentino cambiamento di scena operato dall’irruento ‘ungherese’, genera sensazioni completamente rinnovate e così pure al rapparire della seconda idea, in un’elegante suggestione di dèjà vu.

Impromptu N.3 D.899

Niente interrompe la staticità del terzo improvviso, in cui un’armonia scarna sostiene il divagare continuo e incessante della mano destra, che, con brevi arpeggi, colma la melodia grave e lenta. In questa composizione, tutto il lirismo di Schubert si effonde in un’atmosfera quasi mistica, in cui rare zone di forte intensità illuminano la narrazione assorta che procede a intervalli minuti, spesso cromatici. Questa suggestione permane ininterrottamente sino alla conclusione, con straordinarie aperture create da inaspettate modulazioni, in seguito così care ai compositori romantici.

Impromptu N.4 D.899N.4

L’ultimo degli Improvvisi D.899 ricorda il secondo per la struttura melodica discendente di cui sembra essere una variazione. Il medesimo fluire è qui interrotto da accordi sospesi, che soggiogano l’attenzione dell’ascoltatore, ogni volta ricatturato dalla ripetizione dell’inciso fondamentale. Al centro di questo improvviso si trova un episodio diversissimo, in cui la melodia semplice e piuttosto scarna è sostenuta da una ricca armonia. Nuovamente ritorna il primo motivo che conclude energicamente dopo un crescendo continuo.

Piano: Zimerman

Questa composizione, come altre analoghe, risale al 1816, anno in cui Schubert, aspirando a diventare direttore della Scuola di Musica, lasciò definitivamente l’insegnamento.Nonostante le molte raccomandazioni, quel posto fu poi occupato da un altro candidato.

La Sonatina per violino e pianoforte ha tutte le caratteristiche di un pezzo composto occasionalmente e sembra appartenere per stile e forma al secolo precedente, quasi fosse una composizione mozartiana o addirittura premozartiana.

I due strumenti dialogano in perfetta armonia.

Il primo tempo, Allegro Moderato, si apre con il pianoforte solo che esegue il primo tema. Gli fa eco subito dopo il violino, con un inciso analogo nella figurazione ritmica ma non nell’andamento melodico. Il violino esegue passaggi caratterizzati da suoni molto distanti e l’intensità che prima era piano, si tramuta in questa zona in un forte energico e risoluto. Il pianoforte, con un motivo questa volta nel modo maggiore, ristabilisce di nuovo la pace. Si tratta di una melodia facile e lineare, in cui la simultaneità del ritmo binario della parte cantabile e del ritmo ternario dell’accompagnamento crea un gradevole effetto di slittamento continuo. Questa volta il violino ripete fedelmente la melodia. Dopo un passaggio concitato, giungiamo alla conclusione della prima parte del movimento, ripetuto solitamente due volte. La seconda parte inizia con un disegno cromatico eseguito simultaneamente dai due strumenti, che seguono però direzioni opposte. Poche battute di collegamento per tornare nuovamente al primo motivo, cui fanno seguito, in una nuova tonalità, gli stessi incisi che hanno costituito la prima parte. Una piccola coda ci riporta infine nell’ambito tonale iniziale in cui il tempo si conclude.

L’Andante è un gradevole esempio di secondo tempo della Sonata Classica. Il clima è sereno e contemplativo; una melodia cantabile e dolcemente intima viena eseguita, ora dall’uno ora dall’altro dei due strumenti, in un’armonia priva di qualsiasi antagonismo. Il violino e il pianoforte procedono fianco a fianco senza incertezze per tutto il brano.
Un breve Minuetto, elegante e grazioso, ci distoglie da quelle immagini di serenità per riportarci nel clima più brioso in cui si inserisce l’Allegro finale. Il primo motivo è cantato dal violino, mentre il pianoforte accompagna con brevi arpeggi; il secondo motivo è invece eseguito dal pianoforte solo. Il violino tace, per riprender poi la parola nella ripetizione dell’inciso, in cui i due strumenti procedono all’unisono. Durante il corso del pezzo, caratterizzato dal guizzante accompagnamento in terzine, un altro motivo si alterna ai primi due. Una breve coda, costruita parafrasando il primo motivo, chiude la sonatina.
L’analisi di pezzi come questo si rivela interessante per una migliore comprensione dell’opera di Schubert nel suo complesso. Figlio della tradizione, come il brano in esame testimonia senza dubbio, il compositore seguì poi il proprio genio, assoggettandovi le convenzioni. Ed è senz’altro più semplice comprendere in cosa consistono le novità e le arditezze stilistiche del nostro autore accostandoci a composizioni, diciamo pure, accademiche, come questa.

Nel corso della sua breve vita, Schubert fu spesso circondato da larghe schiere di amici. La sua opera compositiva risulta spesso legata ad avvenimenti connessi a occasioni conviviali. Nell’estate del 1819 si recò con l’amico Vogl, un  cantante di buona fama, nell’Austria settentrionale per un  giro turistico, raggiungendo il paese di Steyr, luogo natale del compagno di viaggio. Lì trovò una fiorente comunità di appassionati musicofili che, sotto la guida di Sylvester Paumgartner, si cimentavano in  esecuzioni dilattentistiche di buon livello. Proprio Paumgartner commissionò a Schubert un’opera adatta all’inconsueto gruppo strumentale da loro formato, un quintetto composto da un  anomalo quartetto d’archi composto da un Violino, una Viola, un Violoncello  ed un Contrabasso a cui si aggiunse un Pianoforte.

Il titolo “La trota” gli derivò dal tema dell’omonimo Lied su cui Schubert costruì delle variazioni nel penultimo movimento.

Primo Movimento – Allegro Vivace

Il primo tempo, Allegro Vivace, si apre con un  arpeggio del pianoforte, che ritornerà poi, quasi come un  ritornello, nel corso del movimento. Gli archi, che aprono con un pianissimo, introducono il primo motivo, mentre il pianoforte, costretto al silenzio, sembra confermare le affermazioni degli altri strumenti con il disegno arpeggiato d’apertura. In questa prima parte del quintetto risultano di notevole interesse il gioco di corrispondenze e la sapiente distribuzione delle masse sonore proposti da Schubert. Soprattutto il contrabbasso e il pianoforte si fondono meravigliosamente , evitando accuratamente di sopraffarsi l’un l’altro. Il pianoforte, dotato di una potenza superiore, non suona quindi quasi mai nelle regioni più gravi della tastiera in  presenza del contrabbasso, ma lo sostiene e lo controbilancia muovendosi preferibilmente nella zona mediana. Questo movimento è in forma sonata e si svolge secondo una logica profondamente schubertiana con quelle modulazioni al limite tanto care alla sensibilità dell’autore. L’andamento ritmico è spesso caratterizzato dall’uso delle terzine, soprattutto da parte del pianoforte, che contrastano la scansione rigorosamente binaria delle parti affidate agli altri strumenti.

Secondo Movimento – Andante

L’Andante è costituito da tre sezioni ripetute in tonalità differenti. La prima è caratterizzata dall’andamento melodico del pianoforte, che procede sempre con le due mani all’ottava. Questo procedimento, oltre a conferire maggior spessore alla parte cantabile, lascia agli archi, in special modo a violoncello e contrababasso, il compito di arricchire e sostenere armonicamente il discorso melodico che scivola magistralmente dal violino al pianoforte. Nella seconda sezione, il canto si sposta dalle regioni acute a quella mediana, più calda e vibrante, occupata da viola e violoncello. I due strumenti cantano una dolce serenata, muovendosi l’uno vicino all’altro, mentre violino e pianoforte accompagnano, il primo con un disegno sussultante inframmezzato da pause, l’altro con fluidi arpeggi ininterrotti. La terza sezione manifesta immediatamente il suo carattere più energico con un disegno melodico affidato nuovamente al pianoforte in ottava, i cui slanci verso l’acuto, resi più incisivi dal ritmo puntato, si alternano a ricadute più morbide verso il grave. La riapparizione dei tre motivi in ambiti tonali diversi rinnova l’attenzione e il piacere dell’ascoltatore, che si ritrova in luoghi conosciuti senza aver la sensazione di una semplice ripetizione.

Terzo Movimento – Scherzo (Presto)

Lo Scherzo, con la sua spumeggiante vivacità, coinvolge immediatamente. I cinque strumenti si muovono simultaneamente, con qualche eccezione per il pianoforte che accenna talvolta a brevi dialoghi con il violino. Il trio è invece chiaramente in  forma antifonale: il pianoforte da un lato e gli archi dall’altro si alternano in un dialogo pacato. La ripetizione dello Scherzo conclude il movimento.

Quarto Movimento – Andantino

Il quarto tempo è costituito dalle sei variazioni sul tema dell’omonimo Lied La trota. Il testo di questa canzone, a un tempo ingenuo e divertito, narra le vicende di una povera troterella che finisce per abboccare all’amo di un pescatore. Non dimentichiamo che Schubert era in vacanza in un ridente paesino di montagna ed era felice. Tutto il quintetto lascia del resto trasparire questo senso di appagamento, di sintonia perfetta con il mondo circostante. La gentile e ammiccante melodia del Lied trova dunque in questo contesto una collocazione ideale. Il tema viene esposto dal quartetto d’archi, mentre il pianoforte assiste in silenzio, per prendere voce subito dopo, nella prima variazione, quando esegue il tema con le due mani all’ottava. Viola, violino e violoncello lo accompagnano con arpeggi veloci, completati dal leggero pizzicato del contrabasso. Nella seconda variazione, il tema passa a viola e violoncello, mentre il violino esegue spericolati passaggi virtuosistici. Il ‘solista’ della terza variazione è il contrabbasso, che esegue il tema al registro grave. Gli altri strumenti, per farne risaltare meglio la voce, si muovono sempre nella regione media e acuta. La quarta e la quinta variazione sono le più complesse. La prima, in modo minore, alterna zone fortissimo ad altre pianissimo; la seconda è ricchissima soprattutto dal punto di vista armonico e contrappuntistico. I vari strumenti eseguono parti completamente diverse tra di loro, e lo stesso pianoforte, nella seconda parte del brano, sviluppa un disegno melodico molto articolato, in cui le mani si muovono per moto contrario, seguendo cioè direzioni opposte. La sesta ed ultima variazione è un leggero Allegretto, dove violino e viola eseguono in eco il tema del celebre Lied.

Quinto Movimento – Finale (Allegro Giusto)

Il Finale, Allegro Giusto inizia con un motivo grazioso, eseguito in eco da violino e viola da un lato e pianoforte dall’altro su di un accompagnamento saltellante di violoncello e contrabbasso. Questo disegno si repete continuamente, interrotto in due sole occasioni, quando tutti gli strumenti eseguono simultaneamente, forte, la stessa melodia, creando delle improvvise ed efficaci zone di luce. Il secondo motivo è nuovamente affidato agli archi, mentre il pianoforte esegue l’accompagnamento che, nel disegno ritmico, ricorda il galoppo di un cavallo. La melodia, cantabile, è costituita da due brevi sezioni; nella prima, violino e viola paiono porre una domanda, cui rispondono in perfetta armonia, nella seconda, violoncello e contrabbasso. Nello sviluppo i discorsi si intrecciano e le parti dei diversi strumenti si infittiscono, mentre qua e là si sente ritornare qualche frammento ora del primo ora del secondo motivo. Con la ripresa ritroviamo lo stesso schema della prima parte. I due temi, come avviene nella tradizione classica, si ripresentano tuttavia in una nuova veste, una tonalità diversa rispetto a quella iniziale. L’intero quintetto si chiude con una coda breve e decisa, in un clima festoso e spensierato.

Esecuzione dell’ Amadeus Quartet con Clifford Curzon al piano
Aldeburgh 1977