Dopo il successo delle serate dedicate ad AIDA e la cucina egiziana, a TURANDOT e la cucina cinese, a CARMEN e la cucina andalusa, prosegue con MADAMA BUTTERFLY e la cucina giapponese la rassegna “Una sera a Cena con le Eroine dell’Opera”, dedicata alle protagoniste delle Opere in cartellone all’88° Festival Areniano 2010. Tre bravissimi artisti allieteranno la prima parte, tra i quali il tenore Orfeo Zanetti e la Soprano Sonia Peruzzo, guidati dal Maestro Matteo Salvemini. In cucina lo Chef Massimo Mezzari ci presenterà e ci farà assaggiare alcuni piatti di riferimento nella cucina giapponese.

Non mancate ad una serata che si preannuncia densa di fascino.

Ore 20.15: Appuntamento in Villa

Ore 20.30: Conversazione musicale dedicata all’Opera “MADAMA BUTTERFLY” di G. Puccini

Ore 21.15: Incontro con la cucina “Giapponese”

Ore 23.00: Fine serata e saluti

Costo € 50,00; minori anni 12 € 35,00

Abbiamo raccolto ed elencato tutti i musicisti che a partire dal XVI secolo hanno dato un contributo sostanziale alla nascita, crescita ed evoluzione dell’Opera.

Alcuni di loro sono probabilmente più ricordati per altri ambiti musicali, ma sia pur in minima parte hanno aggiunto, in accordo con la loro sensibilità artistica e preparazione culturale, tasselli importanti nell’impalcatura complessiva.
Questo elenco non ha la pretesa di esaurire tutto il panorama operistico, ma certamente comprende le figure più rilevanti dal Cinquecento fino ad oggi.

• Claudio Monteverdi (1567-1643)
• André Campra (1660-1744)
• Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
• George Frideric Händel (1685-1759)
• Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736)
• Christoph Willibald von Gluck (1714-1787)
• Karl Ditters von Dittersdorf (1739-1799)
• André Modeste Grétry (1741-1813)
• Domenico Cimarosa (1749-1801)
• Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
• Luigi Cherubini (1760-1842)
• Ludwig van Beethoven   (1770-1827)
• Gaspare Spontini (1774-1851)
• François Adrien Boieldieu (1775-1834)
• Daniel-François-Esprit Auber (1782-1871)
• Louis Spohr (1784-1859)
• Carl Maria von Weber   (1786-1826)
• Giacomo Meyerbeer   (1791-1846)
• Gioacchino Rossini   (1792-1868)
• Heinrich Marschner   (1795-1861)
• Saverio Mercadante   (1795-1870)
• Gaetano Donizetti   (1797-1848)
• Franz Schubert   (1797-1828)
• Jacques Halévy   (1799-1862)
• Vincenzo Bellini   (1801-1835)
• Albert Lortzing   (1801-1851)
• Hector Berlioz   (1803-1869)
• Adolphe Adam   (1803-1856)
• Mikhail Glinka   (1804-1857)
• Michael Balfe   (1808-1870)
• Felix Mendelssohn   (1809-1847)
• Robert Schumann   (1810-1856)
• Otto Nicolai   (1810-1849)
• Ambroise Thomas   (1811-1896)
• Franz Liszt   (1811-1886)
• Friedrich von Flotow   (1812-1883)
• Giuseppe Verdi   (1813-1901)
• Richard Wagner   (1813-1883)
• Charles Gounod   (1818-1893)
• Jacques Offenbach   (1819-1880)
• Emilio Arrieta   (1823-1894)
• Bedrich Smetana   (1824-1884)
• Johann Strauss Jr.   (1825-1899)
• Anton Rubinstein   (1829-1894)
• Karl Goldmark   (1830-1915)
• Amilcare Ponchielli   (1834-1886)
• Camille Saint-Saëns    (1835-1921)
• Léo Delibes   (1836-1891)
• Georges Bizet   (1838-1875)
• Max Bruch   (1838-1920)
• Pyotr Ilyich Tchaikovsky    (1840-1893)
• Hermann Goetz    (1840-1876)
• Antonín Dvořák    (1841-1904)
• Emmanuel Chabrier    (1841-1894)
• Jules Massenet   (1842-1912)
• Arrigo Boito   (1842-1918)
• Sir Arthur Sullivan   (1842-1900)
• Nicolai Rimsky-Korsakov    (1844-1908)
• Gabriel Fauré   (1845-1924)
• Zdeněk Fibich   (1850-1900)
• André Messager   (1853-1929)
• Leoš Janácek   (1854-1928)
• Engelbert Humperdinck   (1854-1921)
• Alfredo Catalani   (1854-1893)
• Ernest Chausson   (1855-1899)
• Ruggero Leoncavallo   (1857-1919)
• Wilhelm Kienzl   (1857-1941)
• Giacomo Puccini   (1858-1924)
• Gustave Charpentier   (1860-1956)
• Emil Nikolaus von Reznicek   (1860-1945)
• Claude Debussy   (1862-1918)
• Frederick Delius   (1862-1934)
• Edward German   (1862-1936)
• Pietro Mascagni   (1863-1945)
• Richard Strauss   (1864-1949)
• Eugen d’Albert   (1864-1932)
• Francesco Cilea   (1866-1950)
• Umberto Giordano   (1867-1948)
• Enrique Granados   (1867-1916)
• Scott Joplin   (1868-1917)
• Siegfried Wagner   (1869-1930)
• Franz Lehár   (1870-1948)
• Alexander von Zemlinsky   (1871-1942)
• Ralph Vaughan Williams   (1872-1958)
• Sergei Rachmaninov   (1873-1943)
• Reynaldo Hahn   (1874-1947)
• Maurice Ravel   (1875-1937)
• Franco Alfano   (1875-1954)
• Italo Montemezzi   (1875-1952)
• Ermanno Wolf-Ferrari   (1876-1948)
• Manuel de Falla   (1876-1946)
• Ottorino Respighi   (1879-1936)
• Robert Stolz   (1880-1975)
• Ildebrando Pizzetti (1880-1968)
• Georges Enescu   (1881-1955)
• Béla Bartók   (1881-1945)
• Zoltán Kodály   (1882-1967)
• Emmerich Kálmán   (1882-1953)
• Riccardo Zandonai   (1883-1944)
• Sergei Prokofiev   (1891-1953)
• Douglas Moore   (1893-1969)
• Jaromir Weinberger   (1896-1967)
• Howard Hanson   (1896-1981)
• Erich Wolfgang Korngold   (1897-1957)
• George Gershwin   (1898-1937)
• Francis Poulenc   (1899-1963)
• Dmitri Shostakovich   (1906-1975)
• Samuel Barber   (1910-1981)
• Gian Carlo Menotti   (1911-2007)
• Bernard Herrmann   (1911-1976)
• Benjamin Britten   (1913-1976)
• Carlisle Floyd   (1926- )
• Sir André Previn   (1929- )
• Tobias Picker   (1954- )

Dal 1810 al 1830 in Italia domina la figura di Gioachino Rossini, che da un lato porta a compimento l’esperienza dell’opera buffa, abbandonando la commedia realistica in favore di una comicità assoluta, dall’altro ingloba nel genere serio tipico francese.

Lo stesso Rossini, trasferitosi a Parigi, inaugura con Guillaume Tell il genere del grand opéra, destinato a un’enorme fortuna nei decenni seguenti.

Situazioni e personaggi di commedia sono integrati sempre più spesso nel teatro drammatico, proseguendo di fatto il breve esperimento dell’opera semiseria.

Dopo Rossini la componente alta e moraleggiante lascia spazio all’elemento lirico, e nelle opere di Vincenzo Bellini assistiamo al trionfo del canto.

Tra realismo, romanticismo e contrasti drammatici si inseriscono Saverio Mercadante e Gaetano Donizetti.

Dopo di loro, e con una maggiore attenzione alla rappresentazione della realtà storica dell’Italia contemporanea e con una ben più organica visione drammaturgica, Giuseppe Verdi.

Nel frattempo, l’opera francese sviluppa i generi contrapposti del grand opéra caratterizzato da messe in scena sfarzose e balli e dell’opéra-comique in cui si distinguono i dialoghi parlati.

Nella seconda metà del secolo viene fuori un genere intermedio, l’opéra-lyrique, a cui si dedicano, tra gli altri, Charles Gounod, Georges Bizet e Jules Massenet.

Il modello francese ha un impatto decisivo anche sulla produzione operistica italiana degli anni settanta e ottanta dell’Ottocento. Si afferma il genere della Grande opera, rivisitazione italiana del vecchio grand opéra francese.

Meno fortunato rispetto al precedente, ma destinato a incidere ben più a lungo e in profondità sull’evoluzione del teatro musicale europeo è il modello alternativo di Richard Wagner.

Muovendo da una debole tradizione operistica tedesca – il cui maggior esponente era stato Carl Maria von Weber – Wagner rivoluzionò dalle fondamenta il genere operistico, eliminando le forme chiuse e il protagonismo dei cantanti e strutturando le sue partiture in chiave sinfonica intorno ai Leitmotiv (temi conduttori).

Il suo nuovo linguaggio è alle radici della musica moderna e nei decenni seguenti fu assorbito anche dalle scuole operistiche italiana e francese.

Più indipendente si mantenne la nascente scuola russa, che muoveva da premesse nazionalistiche.

In Italia il modello musicale Wagneriano e quello dell’ultimo Verdi furono assorbiti e rielaborati in modo originale da Antonio Smareglia e dai compositori della Giovane scuola, affermatasi a partire dall’ultimo decennio del secolo, fra cui Pietro Mascagni, Umberto Giordano, Francesco Cilea, Ruggero Leoncavallo e soprattutto Giacomo Puccini.

Non si deve trascurare il contributo della giovane scuola da parte di un musicista di “transizione”, come Amilcare Ponchielli, e dei francesi Charles Gounod e Georges Bizet che con Carmen aveva aperto nuove strade alla lirica europea del tempo.

In questo periodo gli operisti italiani, accantonati i soggetti storici della grande opera, si orientarono tuttavia verso drammaturgie di tipo realista o addirittura verista, ben più affini a quelle del teatro musicale francese del secondo Ottocento, in particolare al genere dell’opéra-lyrique.

Turandot è un’opera in 3 atti e 5 quadri, su libretto di Giuseppe Adami e Renato Simoni, lasciata incompiuta da Giacomo Puccini e successivamente completata da Franco Alfano.
Il soggetto dell’opera fu liberamente tratto da una commedia di Carlo Gozzi. L’idea per l’opera venne al compositore in seguito a un incontro con i librettisti Giuseppe Adami e Renato Simoni, avvenuto a Milano nel marzo 1920. Nell’agosto dello stesso anno il compositore poté ascoltare, grazie al suo amico barone Fassini, un carillon con temi musicali proveniente dalla Cina. Alcuni di questi temi sono presenti nella stesura definitiva della partitura.

Trama

La storia si svolge a Pechino, «al tempo delle favole».

Atto I

Un mandarino annuncia alla folla che il principe di Persia, non avendo risolto i tre enigmi proposti da Turandot, sarà decapitato pubblicamente. All’annuncio, tra la folla, sono presenti un vecchio e una donna, che chiede aiuto. Accorre allora un giovane, che riconosce nell’anziano suo padre, Timur, re tartaro spodestato. Si abbracciano commossi e il giovane Calaf prega il padre e la schiava Liù, molto devota, di non pronunciare il suo nome: ha paura, infatti, dei regnanti cinesi, i quali hanno usurpato il trono del padre. Nel frattempo il boia affila la lama preparandola al momento dell’esecuzione, fissata per il momento in cui sorgerà la luna.

Ai primi chiarori lunari, entra il corteo che accompagna la vittima. Alla vista della vittima la folla, prima eccitata, si commuove e invoca la grazia per il condannato. Turandot allora entra e, glaciale, ordina il silenzio alla folla e con un gesto dà l’ordine al boia di giustiziare l’uomo.

Calaf, impressionato dalla regale bellezza di Turandot, decide di tentare anche lui la risoluzione dei tre enigmi. Timur e Liù tentano di fermarlo, ma lui si lancia verso il gong dell’atrio del palazzo imperiale. Tre figure lo fermano: Ping, Pong e Pang, tre ministri del regno, che tentano di convincere Calaf descrivendo l’insensatezza dell’azione che sta per compiere. Ma Calaf, quasi in una sorta di delirio, si libera di loro e suona tre volte il gong, invocando il nome di Turandot.

Atto II

È notte. Ping, Pong e Pang si lamentano di come, in qualità di ministri del regno, siano costretti ad assistere alle esecuzioni delle troppe sfortunate vittime di Turandot, mentre preferirebbero vivere tranquillamente nei loro possedimenti in campagna.

Sul piazzale della reggia, tutto è pronto per il rito dei tre enigmi. L’imperatore Altoum invita il principe ignoto, Calaf, a desistere, ma quest’ultimo rifiuta. Il mandarino fa dunque iniziare la prova mentre entra Turandot. La bella principessa spiega il motivo del suo comportamento: molti anni prima il suo regno era caduto nelle mani dei tartari e, in seguito a ciò, una sua antenata era finita nelle mani di uno straniero. In ricordo della sua morte, Turandot aveva giurato che non si sarebbe mai lasciata possedere da un uomo: per questo, aveva inventato questo rito degli enigmi, convinta che nessuno li avrebbe mai risolti.

Calaf riesce a risolvere gli enigmi e la principessa, disperata, si getta ai piedi del padre, supplicandolo di non consegnarla allo straniero. Ma per l’imperatore la parola data è sacra. Turandot si rivolge allora al Principe e lo ammonisce che in questo modo egli avrà solo una donna riluttante e piena d’odio. Calaf la scioglie allora dal giuramento proponendole a sua volta una sfida: se la principessa prima dell’alba riuscirà ad indovinare il suo nome, egli si sottoporrà alla scure del boia. Il nuovo patto è accettato, mentre risuona un’ultima volta, solenne, l’inno imperiale.

Atto III

È notte e in lontananza si sentono gli araldi che portano l’ordine della principessa: quella notte nessuno deve dormire, il nome del principe ignoto deve essere scoperto ad ogni costo. Calaf intanto è sveglio, sognando le labbra di Turandot, finalmente libera dall’odio e dall’indifferenza.

Giungono Ping, Pong e Pang, che offrono a Calaf qualsiasi cosa per il suo nome. Ma il principe rifiuta. Nel frattempo, Liù e Timur vengono portati davanti ai tre ministri. Appare anche Turandot, che ordina loro di parlare. Liù, per difendere Timur, afferma di essere la sola a conoscere il nome del principe ignoto, ma dice anche che non svelerà mai questo nome. Subisce molte torture, ma continua a tacere, riuscendo a stupire Turandot: le chiede cosa le dia tanta forza per sopportare le torture, e Liù risponde che è l’amore a darle questa forza.

Turandot è turbata da questa dichiarazione, ma torna ad essere la solita gelida principessa: ordina ai tre ministri di scoprire ad ogni costo il nome del principe ignoto. Liù, capendo che non riuscirà a tenerlo nascosto ancora, riesce a prendere un pugnale e ad uccidersi, cadendo esanime ai piedi di Calaf.

Il corpo senza vita di Liù viene portato via seguito dalla folla che prega. Turandot e Calaf restano soli e lui la bacia. La principessa dapprima lo respinge, ma poi ammette di aver avuto paura di lui la prima volta che l’aveva visto, e di essere ormai travolta dalla passione. Tuttavia ella è molto orgogliosa, e supplica il principe di non volerla umiliare. Calaf le fa il dono della vita e le rivela il nome: Calaf, figlio di Timur.

Il giorno dopo, davanti al palazzo reale, davanti al trono imperiale è riunita una grande folla. Squillano le trombe e Turandot afferma di conoscere finalmente il nome dello straniero: “Amore!”. Tra le grida di giubilo della folla, abbraccia Calaf abbandonandosi tra le sue braccia.

Il finale incompiuto

La partitura pucciniana è rimasta incompiuta a causa della prematura scomparsa dell’autore, stroncato nel novembre del 1924 da un tumore maligno alla gola. Del finale pucciniano restano solo alcuni abbozzi, sparsi su 23 fogli che il Maestro portò con sé presso la clinica di Bruxelles in cui fu ricoverato nel tentativo di curare il male che lo affliggeva. Puccini non aveva indicato esplicitamente nessuno per il completamento, e l’editore Ricordi decise, su pressione di Arturo Toscanini e di Tonio, il figlio di Giacomo, di affidare la composizione a Franco Alfano, che due anni prima si era gia distinto nella composizione di un’opera, La leggenda di Sakùntala, caratterizzata da una suggestiva ambientazione orientale.

La composizione del finale procedette lentamente a causa di una malattia agli occhi del compositore napoletano e di alcuni screzi con la Ricordi e in particolare con Toscanini, che non ritenne all’altezza una prima versione consegnata. Nella seconda versione (quella più comunemente eseguita), Alfano fu costretto, oltre ad un rispetto più fedele degli schizzi, al taglio di oltre 100 misure di propria composizione.Bisogna attendere il 2001 perché Luciano Berio completasse un nuovo finale su commissione del Festival de Musica de Gran Canarias, anch’esso basato sugli abbozzi lasciati da Puccini e ufficialmente riconosciuto dalla Ricordi.La prima rappresentazione ebbe luogo al Teatro alla Scala di Milano, il 25 aprile 1926, sotto la direzione di Arturo Toscanini, il quale, profondamente commosso, arrestò la rappresentazione a metà del terzo atto, due battute dopo il verso “Liù, poesia!”, sussurrando al pubblico le parole: “Qui termina la rappresentazione perché a questo punto il Maestro è morto”.

Un argomento di discussione fra gli studiosi pucciniani è legato proprio al significato dell’incompiutezza dell’opera, oltre che all’opportunità o meno di lasciar completare ad altri la creazione del Maestro e al giudizio sul lavoro eseguito da Alfano e Berio.
C’è, infatti, chi sostiene che Turandot rimase incompiuta non a causa dell’inesorabile progredire del male che affliggeva l’autore, bensì per l’incapacità, o piuttosto l’intima impossibilità da parte del Maestro di interpretare quel trionfo d’amore conclusivo, che pure l’aveva inizialmente acceso d’entusiasmo e spinto verso questo soggetto.
Il nodo cruciale del dramma, che Puccini cercò invano di risolvere, è costituito dalla trasformazione della glaciale principessa Turandot, incapace d’amare e carnefice dei suoi pretendenti, in una donna innamorata.

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Gianni Schicchi è un’opera in un atto di Giacomo Puccini, su libretto di Gioacchino Forzano basato su un episodio del Canto XXX dell’Inferno di Dante. Fa parte del Trittico. La prima assoluta ha avuto luogo il 14 dicembre 1918 al Metropolitan di New York.

La trama
Gianni Schicchi , famoso in tutta Firenze per il suo spirito acuto e perspicace, viene chiamato in fretta dai parenti di Buoso Donati, un ricco mercante appena spirato, perché escogiti un mezzo ingegnoso per salvarli da un’incresciosa situazione: il loro congiunto ha infatti lasciato in eredità i pro­pri beni al vicino convento di frati, senza disporre nulla in favore dei suoi parenti.

Schicchi, dato che nessuno è ancora a conoscenza della dipartita di Buoso Donati,mette in atto un piano che si tramuterà in beffa. Ordina che il cadavere di Buoso venga trasportato nella stanza attigua in modo da potersi lui stesso infilare sotto le coltri, e dal letto del defunto, contraffacendone la voce, dettare al notaio le ultime volontà.

Così infatti avviene, non senza che Schicchi abbia preventivamente assicurato i parenti circa l’intenzione di rispettare i desideri di ciascuno, tenendo comunque a ricordare il rigore della legge, che condanna all’esilio e al taglio della mano non solo chi si sostituisce ad altri in testamenti e lasciti, ma anche i suoi complici.

Schicchi quindi declina dinanzi al notaio le ultime volontà, ma quando dichiara di lasciare a Schicchi, ovvero a sé stesso, le cose più preziose, fra cui l’ambita casa di Firenze, i parenti esplodono in urla furibonde, scagliandosi poi contro di lui, che caccia tutti dalla casa, divenuta ora di sua esclusiva proprietà.

Fuori, sul balcone, Lauretta , figlia di Schicchi, e Rinuccio , il giovane nipote di Buoso Donati, da tempo innamorati, si abbracciano teneramente. Schicchi, contemplando la loro felicità, sorride compiaciuto della propria astuzi nonostante lo condannerà all’inferno.