La Toccata è una forma musicale che nasce per liuto.

La prima testimonianza del termine si trova nella raccolta “Intabolatura de leuto de diversi autori” (Milano, 1536) di Giovanni Antonio Casteliono: in questa vi sono quattro brani chiamati Tochata di cui uno è di Francesco Canova da Milano.

In seguito la Toccata venne associata anche agli strumenti a tastiera, in particolar modo all’organo, per il quale assumeva sovente la funzione di introduzione.

Il termine Toccata deriva da “ricerca improvvisata dello strumento“, infatti significa proprio toccare lo strumento ripetendo scale e arpeggi ascendenti e discendenti, applicando via via variazioni, per trovare nuovi spunti melodici e armonici che dallo strumento stesso possono avere origine.

Più di rado il nome è esteso ad opere per più strumenti, come nel caso dell’inizio dell’opera L’Orfeo di Claudio Monteverdi.

La Toccata è apparsa per la prima volta alla fine del periodo rinascimentale, circa nei primi decenni del XVI secolo. Ha avuto origine nell’Italia del nord. Molte pubblicazioni degli anni 1590 comprendono delle toccate, di compositori come Girolamo Diruta, Adriano Banchieri, Claudio Merulo, Andrea e Giovanni Gabrieli, Luzzasco Luzzaschi e Annibale Padovano.

Intorno alla seconda metà del XVI secolo la toccata ebbe un grande sviluppo a Venezia dove venne applicata solo al repertorio sacro ed eseguita quindi all’organo. Le composizioni prevedevano veloci movimenti prima di una mano e poi dell’altra, con passaggi brillanti che scendono a cascata contrapposti ad un accompagnamento di un accordo con l’altra mano.

Andrea Gabrieli, zio di Giovanni Gabrieli, usa anche il termine “intonazione“, che indica una toccata in forma ridotta che può andare dalle cinque alle venti battute; l’intonazione aveva lo scopo di preparare il coro al brano da eseguire: inizia con degli accordi e prosegue con delle scale. Le intonazioni in genere non venivano trascritte poiché potevano essere facilmente improvvisate.

Le toccate per organo di Giovanni Gabrieli ci sono pervenute tramite dei manoscritti fatti da alcuni suoi allievi tedeschi. Adriano Banchieri pubblicò a Venezia nel 1605 un trattato intitolato “L’organo suonarino” che trattava l’arte dell’intonazione improvvisata.

La toccata ebbe anche un notevole successo a Napoli tra la fine XVI e l’inizio del XVII secolo ed ebbe come noti compositori Ascanio Mayone e Giovanni Maria Trabaci che trattarono le loro toccate in modo quasi clavicembalistico con grande originalità, unendo accordi con altre varie figure melodiche.

Durante il Barocco la toccata, che era iniziata con Girolamo Frescobaldi, è più articolata e di maggiore durata, intensità e di accresciuto virtuosismo rispetto alla versione tardo-rinascimentale.

Spesso compaiono passaggi rapidissimi inframezzati da salti e arpeggi, alternati con parti che prevedono accordi o fughe. A volte manca un tempo regolare, e ciò aumenta quel senso di improvvisazione che contraddistingue spesso questo genere musicale.

Altri compositori di toccate del periodo barocco, prima di Bach, include Michelangelo Rossi, Johann Jakob Froberger, Jan Pieterszoon Sweelinck, Alessandro Scarlatti e Dietrich Buxtehude.

Le toccate di Bach sono tra gli esempi più famosi per questo tipo di composizione. Le sue toccate per organo sono composizioni brillanti che molto si prestano all’improvvisazione, spesso seguite da un movimento indipendente, chiamato fuga. In questo caso la toccata viene utilizzata al posto del più consueto preludio. Le sue toccate per clavicembalo sono opere composte da più parti, che includono anche una fuga nella struttura.

Infine la Toccata arrivò nel Romanticismo, via via perdendo l’interesse di artisti e ascoltatori. Schumann scrisse una toccata per pianoforte solista, così come Maurice Ravel come parte de Le tombeau de Couperin, ma si raggiunse una consapevolezza, che nessuno avrebbe prodotto più i capolavori che nel secolo precedente aveva creato  Bach.

L’insieme delle composizioni vivaldiane sono quasi 600, fra concerti e sonate, molti dei quali per uno o più violini, 30 circa per violoncello, 39 per fagotto, 25 per flauto, 25 per oboe ecc. fino a toccare strumenti come il liuto, il mandolino ed altri strumenti molto raramente utilizzati in funzione concertistica, all’epoca.

Apprezziamo nel seguente video con al mandolino Alon Sariel il Concerto in Re Maggiore RV 93.

L’ud, originario del Medio Oriente, è l’antenato del liuto moderno e appartiene alla classe dei cordofoni.
Lo strumento qui raffigurato proviene dal Marocco, ha corde doppie e si suona con un plettro.

L’ud è lo strumento principale della musica classica araba.

Strumento musicale a corde pizzicate appartenente alla famiglia dei liuti. Simile all’arciliuto e al chitarrone, la tiorba è lo strumento più grande della famiglia e possiede un doppio manico: uno, collocato in posizione normale, presenta 14 corde che passano sopra un foro di risonanza e vengono premute come d’uso; l’altro, situato nel prolungamento del manico, con 10 corde che non passano sopra il foro di risonanza e si suonano a vuoto producendo suoni gravi.

Le sue corde, che sono semplici e non doppie, sono più larghe di quelle degli altri strumenti della famiglia; inoltre, le due acute sono intonate un’ottava sotto per evitare una tensione eccessiva.
Le origini della tiorba risalgono alla fine del secolo XVI e la sua invenzione si attribuisce all’italiano Antonio Bardi, fiorentino.

Lo strumento veniva utilizzato come solista e, soprattutto, come basso continuo nell’accompagnamento sia di un gruppo strumentale sia di uno strumento solista.

La tiorba venne introdotta in Francia da Jacques Maudurt agli inizi del XVII secolo.

E’ probabilmente lo strumento musicale indiano più conosciuto.

A corde pizzicate, simile al liuto, munito di un lungo manico, il sitar è dotato di un numero variabile di corde, da tre-quattro a sette; altre dieci e più corde di risonanza sono poste al di sotto delle corde principali.