Josquin de Prez è uno dei più grandi esponenti della scuola franco fiamminga, assieme con Heinrich Isaac, Jacob Obrecht e Pierre de La Rue.

Nacque intorno l’anno 1450 in Piccardia.

Si hanno le prime tracce delle sua esperienza musicale nella cappella pontificia di Roma tra il 1486 e il 1499.

Dopo alcuni anni in Francia, si trasferì per un certo periodo in Italia, a Ferrara, per servire Ercole I d’Este.

Per lui scriverà la messa Hercules dux Ferrarie il cui tenor è tratto dalle vocali del nome del committente (è formato cioè dalle note il cui nome contiene tali vocali, tenendo presente che all’epoca la nota do si chiamava ancora ut).

Scrisse oltre 20 messe, composte secondo varie tecniche (come la messa su cantus-firmus, la messa parafrasi, la messa parodia) e basate anche su musiche profane come la celebre melodia L’homme armé, un centinaio di mottetti, oltre 50 opere vocali profane (chansons e frottole) in francese e italiano.

Desprez (o Des Pres)  fu punto di riferimento per tutti i contemporanei e oltre, fino ad essere elogiato anche da Lutero, Palestrina e Orlando di Lasso.

La fama di Josquin fu tale che in molti vollero pubblicare musiche firmate col suo nome per favorirne il successo. Va quindi considerato che una composizione a lui attribuita da una fonte del XVI secolo può non essere sua.

Tra le sue messe, oltre alla Hercules dux Ferrarie e alle due messe L’homme armé, ricordiamo la Missa de beata Virgine e la Missa Pange Lingua, che è probabilmente l’ultima da lui scritta.

Anche i contemporanei Antoine Brumel e Isaac scrissero Missae de beata Virgine.

Tra i suoi mottetti, il mottetto per il periodo natalizio Praeter rerum seriem a sei voci, il Miserere a cinque voci, Ave Maria, Virgo serena a quattro voci e Tu solus qui facis mirabilia a quattro voci.

Come il contemporaneo Pierre de La Rue e altri musicisti fiamminghi, ad esempio Johannes Ockeghem, Josquin utilizzò abbastanza spesso la scrittura in canone.

Per la chiarezza espressiva e per l’equilibrio presente fra il testo e la musica, peraltro sostenuta da felice invenzione melodica e ampia conoscenza del contrappunto, egli può essere considerato come il più rappresentativo musicista del Rinascimento.

Morì a Condrè-sur-l’Escaut nel 1521.

Nacque a Venezia il 24 agosto 1669.

Era un nobile che si applicò in diverse aree del sapere come la poesia, la filosofia, la matematica e forse in modo di maggior riguardo la musica di cui divenne compositore.

Fu giovane contemporaneo di Antonio Vivaldi, e tenne concerti nella sua casa di Venezia.

Compose e pubblicò diversi parti di concerti, inclusi sei concerti pubblicati sotto il titolo La Cetra, cantate, arie, canzonette e suonate per il violino.

Compose anche sotto lo pseudonimo di Eterio Stinfalico, e fu membro della celebre Pontificia Accademia degli Arcadi.

Benchè i suoi lavori oggi non siano molto conosciuti a causa del fatto che non sono frequentemente eseguiti oggi, Marcello è considerato un compositore molto competente.

Il suo concerto La Cetra è inusuale per l’assolo degli oboi, coinciso e utilizza il contrappunto ampiamento dentro lo stile di Vivaldi,  piazzandoli come un ultimo avamposto del canone classico del concerto barocco Veneziano.

Il concerto in Re minore per oboe, archi e basso continuo risulta essere forse la sua opera più famosa e celebre tanto che Johann Sebastian Bach ne fece una trascrizione per clavicembalo (BWV 974).

Tale concerto è stato utilizzato come colonna sonora in molti film dato il suo tono emozionale e toccante, tra tutti vale la pena di ricordare il finale di Miriam si sveglia a mezzanotte (The Hunger) che si chiude sulle note tristi e melanconiche dell’oboe.

Più celebre di lui in musica fu il fratello: Benedetto Marcello.

Morì a Padova il 19 giugno 1747.

Ricoprì ruoli molto importanti: cantore nella Cappella liberiana, fu organista e maestro di canto nel duomo di Palestrina e, infine, fu maestro della Cappella Giulia e cantore nella Cappella Sistina di Roma, città dove visse fino al alla morte, nel 1594.
Appartenne alla scuola musicale romane di cui fu il massimo esponente.

Palestrina divenne famoso grazie alle sue composizioni sacre e al suo uso del contrappunto.

Fu stimato musicalmente sia dai contemporanei, che dai postumi.

Durante il Romanticismo il culto di Palestrina crebbe notevolmente grazie alla pubblicazione della sua biografia ad opera di Papa Marcello.

L’opera di Palestrina è costituita quasi interamente da composizioni polifoniche su testo latino, destinate alle cantorie per i servizi sacri cattolici.

Egli scrisse 102 messe a 4 o 5 voci, in minor numero a 6 e a 8; le più note sono: Missa brevis, Iste Confessor, Aeterna Christi munera, Dies sanctificatus, Salve Regina, Vestiva i colli e Papae Marcelli. L’altra forma molto usata da Palestrina fu il mottetto, né scrisse 307 tra cui ricordiamo: Super flumina Babylonis, Pueri haebreorum, Cantico dei cantici e lo Stabat Mater.

La musica di Palestrina incarnò per i contemporanei il sentimento religioso della controriforma romana mentre per i posteri rappresentò uno degli ideali più puri ed armoniosi del canto sacro cattolico.

Uno dei pregi delle creazioni palestriniane è la semplicità dei mezzi impiegati, a cominciare dalle melodie che si combinano nel tessuto polifonico fino alle armonie formate da semplici successioni di triadi, variate da note di passaggio e da ritardi preparati e indotti dal movimento delle parti.

Il discorso delle parti, infine, è fluido per merito di una magistrale condotta contrappuntistica delle parti e di combinazioni tra le voci continuamente variate.

Un merito dell’epoca barocca fu il maggior studio delle capacità espressive degli strumenti, che così non risultarono più intercambiabili facilmente tra loro e permisero di raggiungere risultati di maggior livello rispetto ai tempi precedenti.

Già all’inizio del XVII secolo la monodia (canto ad una sola voce) prevalse; la polifonia si sviluppò ulteriormente, portando agli alti livelli del contrappunto strumentale mostrati dalle fughe di Bach.

Nel processo di semplificazione attraversato, inizia la codificazione moderna del concetto di tonalità: gli otto modi precedenti, nel 1700, vennero del tutto sostituiti dai due modi (maggiore e minore) conosciuti nella musica occidentale.

Infine, le forme strumentali più affermate del periodo furono la suite e la sonata.