L’evento che si terrà al Ravenna Festival al Teatro Rasi, il 16 giugno 2011

INFO

Ispirato dall’opera di Luca Pacioli (1509)

Un progetto multimediale di SIMONE SORINI / DAVID MONACCHI
Produzione BELLA GERIT Urbino

Con il contributo straordinario di: Lucia Ferrati e Piergiorgio Odifreddi – voci recitanti

Musica sacra e profana, antica e contemporanea, pensiero speculativo e misure del corpo, combinati in un unico sistema allegorico. Celebrazione ed ideale rappresentazione del linguaggio musicale del tardo Medioevo in transizione verso il Rinascimento con computer-music, danza contemporanea ed arti visive. Lo spettacolo filtra le opere musicali del XIV e XV sec. attraverso il prisma della composizione elettroacustica.

“DE DIVINA PROPORTIONE”

Trailer – L’innovativo spettacolo produz. Bella Gerit Urbino

Attraverso la musica e il suo dialogo con le arti, una giornata alla ricerca di quello che significa oggi essere qui e ora.

Un ciclo di eventi musicali sulla “contemporaneità”, da febbraio a maggio che propone concerti, installazioni multimediali e proiezioni, conferenze e momenti didattici, laboratori pratici, racconti e incontri tra musicisti e artisti di diverse discipline.

La stagione 2011, debutta il 13 febbraio a Napoli al Museo MADRE e si conclude il 20-21 e 22 maggio a Ferrara in collaborazione con il festival miXXer e il Conservatorio Frescobaldi.

Atlante sonoro nasce dall’idea di ricerca e da un tentativo di catalogazione di quei luoghi dell’anima che nella musica si esprimono. I diversi temi della contemporaneità nell’arte involgono i temi dell’ascolto di generi diversi, diverse tradizioni e diversi che tempi ma che hanno il comunque in comune il fatto di essere al centro della nostra percezione contemporanea del nostro orizzonte sonoro.

Nei diversi appuntamenti di Atlante Sonoro parteciperà una fitta kermesse di artisti coordinata da Stefano Cardi direttore di Freon Ensamble

Con cronache e collegamenti diretti con Radio3

13 febbraio 2011 ore 15 (Apertura) ore 19 (Chiusura)

MADRE – Museo d’Arte contemporanea DonnaREgina – Napoli

Via Settembrini, 79 Napoli Italia. Info : +39 081.193.13.016 .

Musiche:

Tradizione folk, giovani compositori italiani, Salviucci Marini, Ohana, Petrassi, Stravinsky, Kraftwerk, Cage, Harrison, Francesconi, Clementi, Pärt, Fukushima, Walton, Varèse, Hindemith, Galliano, Gismonti ed altri

Interpreti:

Freon Ensemble; Ars Ludi Laboratorio di percussioni; Quartetto Urbano (ens. vocale); Ensemble Vocale Sanseverino dell’Università di Salerno (Antonello Mercurio, direttore)

Matteo D’Agostino, Sylvie Genovese, Gianluigi Giglio, Daniele Medugno, Duilio Meucci, chitarre;

Giuppi Paone, Patrizia Rotonda, Lucia Staccone, Antonella Talamonti, voci;

Andrea Mancianti, performer; Luca Sanzò, viola; Gruppo E spingule e’ a frangesa;

Marco Saraceno, Fabio Luigi Ruggiero, flauti;

Ensemble della Scuola di Testaccio diretto da Laura Mariano; Rodolfo Rossi, percussioni;

Nodas (Massimo Nardi, chitarra; Maurizio Lazzaro, chitarra, oud, laud); Ugo Di Giovanni, liuto; Antonello Sorrentino, tromba; Domenico Luciano, sassofono; Naga Project 5; Coro piccolo della Scuola di Testaccio (Renzo Renzi, direttore); Caterina Bono, Francesco Venga, violini

Inoltre:

Spazio Poesia e Musica d’oggi (a cura di Maria Grazia Calandrone)

Letture di Bruno Galluccio e Luigi Trucillo

Lucia Ronchetti

A Roma a marzo Lezioni di Tenebra, dal mito di Giasone, la rappresentazione acustica del buio

“Lezioni di Tenebra” è un’Opera da camera per soprano, controtenore, quartetto vocale ed ensemble strumentale di Lucia Ronchetti per una coproduzione della Konzerthaus Berlin e di  Musica per Roma.

Si tratta di una riduzione dal Giasone di Francesco Cavalli con testo tratto dall’originale di Giacinto Andrea Cicognini.

Lezioni di Tenebra è uno studio sulle metafore del buio e della cecità, basato sulla versione del mito di Giasone elaborata da Giacinto Andrea Cicognini per Francesco Cavalli nel 1649.

La volontaria rinuncia al contatto visivo di Giasone e Medea, i loro incontri nell’ombra, il loro amarsi senza riconoscersi, il loro parlarsi senza comprendersi e la cecità del destino che li attende, sono l’oggetto della rivisitazione drammaturgica e musicale.

Il lavoro è concepito come un’analisi compositiva del Giasone di Cavalli, con l’intento di sottolineare ed amplificare la tensione drammaturgica e la complessità della trama creata da Cicognini. Frammenti dall’originale di Cavalli sono riproposti in forma di citazione e libera rielaborazione, intercalati da parti autonome, basate su un’ideale rappresentazione acustica del buio quale condizione ineludibile della realtà umana.

I principali personaggi del Giasone sono identificati nell’opera composta da Francesco Cavalli attraverso una raffinata utilizzazione di diversi stili vocali, un differente timing della comunicazione vocale e una specifica organizzazione delle sequenze armoniche.

Il risultato è un teatro sonoro costituito da impronte timbriche molto definite, dove l’organizzazione musicale chiarifica le tensioni drammatiche e la progressione dell’intreccio testuale, quasi sostituendosi agli aspetti visivi.

Questo ha suggerito la riduzione minimalista a due sole voci soliste che danno vita ai diversi personaggi avvolti dalla tenebra dalla quale tentano costantemente di emergere: un’intera galassia di personaggi assorbiti e concentrati nella tensione di un dialogo passionale e drammatico tra due persone sole in una camera buia.

Prima esecuzione assoluta:

24 Febbraio 2011, Konzerthaus, Berlin INFO

Repliche:

25-26-27 Febbraio 2011, Konzerthaus, Berlin

8 Marzo 2011, Contemporanea, Musica per Roma, Parco della Musica, Roma INFO

29 Maggio 2011, Herrenhausen Arts Festival, Hannover INFO

Con la partecipazione di:

Katia Guedes, soprano

Daniel Gloger, controtenore

Vocalconsort Berlin

PMCE Roma

Tonino Battista, direttore

Jens Schubbe, drammaturgia

Mirella Weingarten, scene

Sabine Hilscher, costumi

Matthias Rebstock, regia

Edizioni Rai Trade

www.luciaronchetti.com

Diamo giusta luce ad un’autrice italiana che ha raccolto diverse esperienze in diverse parti del mondo.

Lucia Ronchetti è nata a Roma nel 1963.

Ha studiato Composizione e Musica elettronica presso il Conservatorio di S. Cecilia di Roma e Filosofia presso l’Università La Sapienza di Roma. A Parigi ha ottienuto il D.E.A. in Estetica presso la Sorbonne e nel 1999 ha discusso la sua tesi di dottorato in musicologia presso l’Ecole Pratique des Hautes Etudes en Sorbonne, sotto la direzione di François Lesure.

Nel 1995-96 ha seguito il corso annuale dell’IRCAM. Nel 1999-2000 é stata Compositore in residenza all’Akademie Schloss Solitude di Stoccarda, nel 2003 alla Mac Dowell Colony di Peterbourough di Boston e al Forum Neues Musiktheater della Staatsoper di Stuttgart.

Nel 2005 ha vinto il premio Fulbright quale Visiting Scolars alla Columbia University di New York. Nel

2005-2006 ha risieduto a Berlino, grazie al premio della DAAD. Nel 2007 é stata compositore in residenza presso la Corporation of Yaddo di New York.

Importanti per la sua formazione compositiva gli studi con Salvatore Sciarrino (Città di Castello,1988-1989), Gerard Grisey (Paris,1993-1996) e Tristan Murail (Paris, 1996-97).

Nel 2010 saranno pubblicati tre nuovi cd: Xylocopa violacea (Stradivarius) con Barbara Maurer, Reinhold Braig e l’ Experimentalstudio di Freiburg, Drammaturgie (Kairos), con I Neue Vocalsolisten e il Quartetto Arditti e Il Castello di Atlante (Rai Trade) con l’opera radiofonica prodotta da Deutschland Radio Kultur.

Produzioni recenti: Narrenschiffe, Strasse opern (Bayerische Staatsoper, München, 2010), Toccar con gl’occhi e rimirar col tatto, Opera da camera (Konzerthaus, Berlin, 2010), Der Sonne entgegen, Opera da camera (MärzMusik, Berlin, 2009), Prosopopeia, Drammaturgia (Internationales Heinrich-Schütz-Fest, Kassel, 2009), Rumori da monumenti, Drammaturgia (Ensemble Modern/Siemens Arts Foundation, Berlin, 2008), Le voyage d’Urien, Drammaturgia (Commande d’État, Paris, 2008), Hamlet’s Mill, Drammaturgia (Musik des Jahrhunderts, Stuttgart, 2007), Albertine, Drammaturgia (MärzMusik, Berlin, 2007)

Riferimenti Web:
www.luciaronchetti.com
www.dersonneentgegen.org
www.lastdesire.org

Parma: Musica per pensare il 25 aprile nella Sala dei Concerti della Casa della Musica, alle 17.30.

La Stagione Armonica guidata da Sergio Balestracci si cimenterà in un programma di musica contemporanea. studiato per l’occasione.
“Musica per pensare” nasce nell’àmbito di un progetto di lungo respiro che la Casa della Musica di Parma dedica al complesso e attualissimo rapporto che lega la musica alla società e alla politica tentando di fare propria una ricorrenza densa di significati politici e civili.
Il programma proposto da Sergio Balestracci, spazia da Pizzetti a Stockhausen, da Schönberg a Nono, da Weill a Balestracci, dalla voce umana senza accompagnamento strumentale alla musica confezionata per nastro magnetico.

Il pezzo di Schönberg, destinato al Singverein di Vienna era inteso dall’autore come un pezzo “a cappella”, ma per le difficoltà incontrate nelle prove, fu aggiunta successivamente dall’autore un’integrazione orchestrale e solo il 9 dicembre del 1911 il brano poté essere eseguito, con un supporto strumentale tenuto costantemente su una dinamica molto tenue dal direttore Franz Schreker per lasciare il giusto risalto ai duecento coristi allora impiegati: nell’intenzione dell’autore l’accompagnamento orchestrale doveva servire solo per quella prima esecuzione, per maggior sicurezza dei cantanti. Il testo del poeta zurighese Conrad Ferdinand Meyer parte da un quadro natalizio per celebrare la pace il cui avvento sulla terra viene auspicato per le future generazioni come dimensione ideale e duratura.
In un ideale percorso cronologico, il Requiem di Ildebrando Pizzetti vuole essere un omaggio a Parma, sua città natale e nello stesso tempo portare la riflessione dell’ascoltatore sul tema della fragilità della vita umana spesso minacciata dalla violenza cieca e dalla volontà di sopraffazione.
Questo brano appartiene al periodo fiorentino del maestro parmense e si riallaccia ai diversi aspetti della tradizione liturgica riproposta con una sensibilità tardoromantica. L’opera ha conosciuto e riscuote tuttora un notevole successo per le esecuzioni che vengono riproposte da diverse compagini corali, in virtù di una naturale cantabilità con cui il tessuto vocale è condotto.
Il brano di Kurt Weill costituisce un significativo esempio della sua collaborazione con Brecht durata dal 1927 al 1930, che portò ad un rinnovamento del teatro musicale non solo in Germania. La rispondenza tra testo e musica, l’adozione di grandi temi civili, la visione non accademica della musica, l’intento di raggiungere un pubblico più ampio attraverso la contaminazione con forme più leggere come il cabaret, sono visibili anche in questo pezzo corale, in cui viene musicato un testo scritto da Brecht alla fine della grande guerra. Come se non bastassero i vivi per andare in guerra, una cinica commissione militare rimette sul campo un soldato che già riposava sotto terra, nella retorica e colpevole indifferenza delle folle stordite ed inconsapevoli.
Infine, il piccolo bozzetto che chiude il programma, composto per questa occasione, intende tributare un ulteriore omaggio alla città di Parma che dedica questo concerto corale al tema della pace, per il trionfo della quale  neanche oggi si profilano maturi i tempi, pur con tutto quello che il mondo ha visto negli ultimi cento anni e che nulla sembra aver insegnato al rapace ottuso egoismo umano. L’occasione di questo breve brano è una celebre poesia di Ungaretti che si inserisce tra quelle dettate dall’esperienza della guerra: anche qui, come nel testo di Weill, i morti sono uccisi due volte, in questo caso dalle grida forsennate e disumane dei viventi che si nutrono della violenza; la natura, distaccata testimone del dramma umano, rimane l’unico rifugio in cui poter trovare il silenzio e la pace.

Arnold Schoenberg (1874-1951), Friede auf Erden op. 13 a 8 voci su testo di Conrad Ferdinand Meyer (1907)
Ildebrando Pizzetti (1880-1968), Messa da requiem (1922)
Kurt Weill (1900-1950), Die Legende vom toten Soldaten a 4 voci su testo di Bertolt Brecht (1929)
Sergio Balestracci (1944-), Non gridate più a 4 voci su testo di Giuseppe Ungaretti (2010)

Ingresso libero fino ad esaurimento dei posto disponibili
Per informazioni:

Casa della Musica
Tel 0521 031170
infopoint@lacasadellamusica.it <mailto:infopoint@lacasadellamusica.it>